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CITA mes de Junio 2008

No se puede decir que se ha visto realmente una cosa hasta que no se haya hecho una fotografia de ella.

Emile Zola (escritor frances 1840-1902)

martes 1 de julio de 2008

Montarán tres exposiciones para inducir a la reflexión sobre la realidad de Iberoamérica


El objetivo es dar a conocer la exploración de nuevos lenguajes creativos ante la trivialización de la imagen fotográfica, explica

Se mostrarán en 20 países del continente y Europa, adelanta

Mónica Mateos-Vega

Mexico.- La imagen fotográfica se ha trivializado y cada vez es más difícil acceder a trabajos que generen reflexión, señala el fotógrafo Claudi Carreras.

Con la idea de proponer un debate en torno a esa realidad, el artista catalán desarrolla el proyecto Laberinto de miradas el cual incluye, principalmente, la organización de tres exposiciones que viajarán durante igual número de años por más de 20 países de América y Europa.

El objetivo es, añade el también curador, presentar miradas cruzadas de autores que trabajan en el ámbito documental en Latinoamérica, España y Portugal, todos ellos comprometidos con temas de contenido social.

Diversos imaginarios

La iniciativa presentará “miradas multidireccionales de profesionales de la lente que trabajan en estos países explorando nuevos lenguajes creativos y profundizando en la realidad de su entorno.

“A partir de diversos imaginarios, se podrá construir un diálogo sobre la situación actual en América Latina que tenga proyección internacional, solicitando la colaboración de intelectuales y profesionales que hayan reflexionado sobre el tema”, explica Carreras.

Con el respaldo de Casa América Catalunya y la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo, el eje central de Laberinto de miradas, además de las muestras, será la impartición de talleres y actividades en torno a ellas, “para conformar una red entre los países anfitriones”.

La primera exposición se titula Identidades y fronteras en Iberoamérica, y se inaugurará el próximo 3 de julio en el Centro Cultural de España (Guatemala 18, Centro Histórico).

La segunda, Fricciones y conflictos en Iberoamérica, se presentará a partir de finales de septiembre en Lima, Perú.

Finalmente, será en Sao Paulo, Brasil, donde se exponga en diciembre Colectivos de fotografía en Iberoamérica.

Enorme renovación

Caludi Carreras manifiesta que “después de viajar por 18 países de América Latina y de haber contactado con más de 260 fotógrafos documentalistas, me resulta evidente que la tradición fotográfica documental y la renovación de ésta es enorme.

“La fotografía ha servido, la mayoría de las veces, como herramienta de denuncia en la lucha por la libertad y defensa de los derechos humanos en una región azotada por diversas plagas.

“Los procesos de creación surgen en plena efervescencia política, económica y social. El complejo entramado de culturas que compone el continente y las heridas abiertas de una historia que se repite cíclicamente hace que muchos autores utilicen la fotografía para investigar sobre su propia identidad y representar lo que sucede en su entorno.

“Los nexos históricos y los puntos en común entre Latinoamérica y la península Ibérica son innegables, sin embargo, el proceso de globalización imperante potencia la visualización y reproducción de clichés foráneos, sobre todo anglosajones.

“Pese a coincidencias temáticas y estructurales, las producciones fotográficas de estos países son casi desconocidas más allá de las fronteras internas.

“La masificación de imágenes genera estereotipos y los fotógrafos se enfrentan a la necesidad de generar nuevos modelos de representación capaces de destacar sus imágenes entre millones.”

Por tal motivo, uno de los objetivos principales de Laberinto de miradas será presentar el trabajo de creadores de reconocido prestigio junto al de autores emergentes, “capaces de generar un espacio de análisis en torno a los nuevos retos de las sociedades iberoamericanas”.

También se pretende “huir de los estereotipos predominantes sobre los procesos de creación en América Latina y presentar una edición frontal, fruto del trabajo en equipo de editores, curadores y creadores de diversos países.”

El proyecto incluye la publicación de un libro, “de máxima calidad”, para que “ayude a crear una memoria visual que se incorpore al debate de la creación cultural contemporánea”, concluye Claudi Carreras.

Fuente: La Jornada

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Steichen. Fotografía de Moda: los años de Condé Nast Edward Steichen Museo del Traje. Madrid

El Museo del Traje y el Museo Reina Sofía presentan por primera vez en España una exposición retrospectiva de Edward Steichen (Bivange, Luxemburgo, 1879 - Umpawa, 1973) una de las figuras clave de la historia de la fotografía. La exposición, que tras su paso por París, Lausanne y Reggio Emilia, llega ahora a Madrid, pretende ser un reflejo completo y preciso de la prolífica obra de este artista, muy centrada en sus creaciones para las revistas de moda.

Elegancia al corte, pero al corte fotográfico... Así se podría resumir la obra del mítico Steichen: elegancia. Y es que Edward Steichen (1879-1973) es una de las figuras más importantes de la historia de la fotografía. Durante su activa y extensa carrera fue reconocido como artista, pintor, fotógrafo y comisario de exposiciones (trabajó en el MOMA neoyorkino). "Steichen. Fotografía de Moda: los años de Condé Nast, 1923 -1937" recoge gran parte
de la obra fotográfica desarrollada por éste durante el período en el que fue jefe de fotografía en dos de las revistas más importantes de la editorial Condé Nast, como Vogue y Vanity Fair, cuando ambas marcaban el ritmo del estilo hollywood. Steichen es el pionero de la fotografía publicitaria y, sobre todo, en el primer fotógrafo de moda moderno.

Hay figuras que caen en un relativo olvido y éste puede ser el caso. Sin ir más lejos, cuando hablamos de la famosa fotografía de la Photo Secession siempre nos referimos a Stieglitz como fundador y cabeza visible..., bueno, pues, Steichen “también estuvo allí”. La denominada Photo Secession fue un movimiento fundado por Alfred Stieglitz junto a Edward Steichen y Alvin Langdon Corburn en 1902. Este hecho supuso un importante salto. No transgredió del todo el mundo visual de la repsentación, pero movió a 'un lado' el concepto foto muy anclado por entonces en el fotoperiodismo y en la snapshot. Para el grupo, la fotografía, no era una forma débil de reflejar la realidad. Estos fotógrafos consideraban sus obras como una ruptura con las normas académicas, como una visión personal del mundo, basada en la expresión propia, independiente de toda tradición visual. Sus fotos están llenas de algo “más”, véase llenas de metarrealidad y micropoéticas. Según la Wikipedia: “Stieglitz abogaba por la imagen que irradia sentimientos, que manifiesta el espíritu del creador, apelaba a la búsqueda ‘anti-fotográfica’ -visión interior y mirada exterior –.“

La actividad de este grupo fue muy activa, pero Steichen, al final, se desligó de ellos. Alfred Stieglitz consideró una traición el paso del fotógrafo al mundo de la moda y la publicidad, y para sus antiguos colegas pictorialistas, su aparente abandono de los "nobles fines" de este movimiento fue motivo de indignación. Algunos críticos vieron en su trabajo para Condé Nast cierta obsesión por el glamour. Muchos se opusieron a que ocupara el puesto de Beaumont Newhall como director del Departamento de fotografía del MOMA. Otros criticaron The Family of Man (su gran obra al frente de la dirección del departamento de fotografía del MOMA) tachándola de ingenuamente sentimental y cuestionaron el uso que Steichen hacía del trabajo de los fotógrafos para promover fines polémicos.

En la muestra que podemos ver en el Museo del traje madrileño se aprecia la aportación de Steichen al lenguaje visual del Hollywood de joyas y trajes caros; hasta el punto de establecer de manera casi definitiva los patrones estéticos fijos de la fotografía publicitaria, de la fotografía de moda y del imaginario social de la celebridad y el glamour. “Edward Steichen. Fotografía de Moda. Los Años de Condé Nast, 1923 -1937” presenta los más importantes testimonios gráficos del trabajo de Edward Steichen, que al mismo tiempo, e inevitablemente, componen un mosaico descriptivo y evocador de una época particularmente vibrante.

Fuente: Arte 10

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Argentina acoge una exposición del Premio Nacional de Fotografía Ramón Masats

Argentina.- La exposición "Ramón Masats, la memoria construida", que recoge la obra más representativa del Premio Nacional de Fotografía 2004, se exhibirá hasta el próximo 1 de agosto en la Casa de Madrid en Buenos Aires (Argentina), informó la Comunidad de Madrid en un comunicado.

La muestra, que fue inaugurada este lunes por el consejero de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid, Santiago Fisas, recoge 38 instantáneas en blanco y negro realizadas entre 1955 y 1965 que retratan la España de entonces.

En las fotografías, Masats emplea algunos de sus "tópicos" recurrentes como los niños, el mundo rural, del que destaca el trabajo, el descanso, las fiestas y los ritos, y el mundo urbano, que presenta mediante la vinculación de la sociedad de esa época con la religión.

Además, esta exposición presenta un panorama de la cultura y el arte de la España de la década de los años 50 y 60 por medio de los retratos que realizó el fotógrafo a personajes destacados de aquellos años como el escritor Azorín, el director de cine Luis Buñuel y el torero Luis Miguel Dominguín.

Entre las obras que podrán contemplarse en "Ramón Masats, la memoria construida" se encuentran algunas representativas del autor como las incluidas en los libros "Neutral Corner" y "Sanfermines" así como otras imágenes procedentes de la colaboración de Masats con la publicación "Gaceta Ilustrada".

Esta exposición se suma a otras iniciativas desarrolladas por la Consejería y Turismo de la Comunidad de Madrid para promocionar el arte español en Buenos Aires, junto con la exposición Picasso en Buenos Aires y el festival MadridCine2008, que se inaugura hoy con la proyección de la película "Las trece rosas".

Fuente: Metro

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lunes 30 de junio de 2008

Exposición. Fotografía. Pierre Gonnord. Bajo la piel

Fotografía. Pierre Gonnord. Bajo la piel

Del 02 de julio de 2008 al 29 de agosto de 2008
Martes a sábado: 10:30 a 13:30, 17:00 a 19:30; Domingo, sólo mañanas. Lunes y festivos cerrado

Lugar: Palacio Molina. C/ Jara, 28

Población: Cartagena

Organiza: La Mar de Arte

Estado Español.- Pese a su juventud, Pierre Gonnord presenta una impresionante trayectoria de muestras que van de la Maison Européene de la Photographie a la Abbaye de Neumunster, pasando por su galería de siempre, Juana de Aizpuru. El reconocimiento es unánime, y sus imágenes, recortadas sobre fondos negros, han pasado de los retratos iniciales, de una contundencia difícil de igualar, a los matices que reflejan grupos étnicos, como los gitanos, mendigos o ancianos. La humanidad reflejada en Gonnord es una irrealidad construida sobre la fidelidad extrema al modelo, nunca idealizado, siempre minuciosamente ensalzado. Pierre Gonnord es uno de los fotógrafos franceses más internacionales de la actualidad. Su trabajo, vinculado desde hace años a España, ha sido reconocido por la crítica como una de las más intensas aproximaciones a la retratística contemporánea. La trayectoria profesional de Gonnord (nacido en Francia en 1963 y residente en Madrid desde 1988) y su asunción por el mercado se han producido con rapidez inusual, pues hasta 1998 Pierre era prácticamente un amateur fino, que se reveló como un creativo interesante en la muestra La Fotografía y la Moda, presentada por Aizpuru en Photoespaña 98. Hasta finales de 2002 cultivó los géneros modernos evolucionados de los tradicionales del desnudo, la naturaleza muerta y el paisaje, centrándose seguidamente en el retrato, que le ha dado reconocimiento unánime.

Cada día, en el ritual fotográfico, voy construyendo, poco a poco, mi autorretrato. Intento así detener el tiempo para escribir mi diario, escuchando respirar a los demás y dejando huella sobre lo efímero. Es a la vez un acto de rebeldía contra el olvido, las injusticias, la muerte, y nuestra tragedia, porque al fin y al cabo nos vamos. Lo que justifica, en buena medida, y da valor a nuestros actos, a nuestros días.

Fuente: Region de Murcia Digital

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«Busco una imagen austera, sin distracciones o ruido visual» Margarita González _ Fotógrafa

Describe su estilo como «silencioso, mostrando espacios muy abiertos que acojan la mirada del espectador». Sus herramientas para relacionarse con el paisaje son la atención y las vivencias: «No paso por los sitios sino que vivo en los lugares. Me fijo en lo que me rodea hasta que los elementos se organizan de cierta manera y siento que debo fotografiarlos justo en ese instante».
La exposición, una propuesta del Centro Andaluz de la Fotografía, es un ejemplo más de la filosofía selectiva de Margarita González. Después de diez años de trabajo, la fotógrafa ha destilado las imágenes y versos hasta alcanzar lo que le interesa. «Estamos inmersos en un mundo con abundancia de todo. Prefiero seleccionar y extraer hasta alcanzar lo que me quiero. Incluso en el Cabo de Gata hay ruido pero tengo claro lo que quiero y lo busco».
En 1976 estudió Bellas Artes en la Complutense donde se licenció en pintura. Tras exponer pintura, dibujo y grabado, se enamoró de la fotografía en 1990, durante sus estudios de doctorado, y decidió viajar a París y Nueva York para «encontrar su identidad fotográfica». Hasta el 10 de julio, exhibe su colección en la calle Mata.

Fuente: ABC Sevilla

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La Casa de Canarias de Madrid acoge una exposición fotográfica de la grancanaria Magdalena Medina

Estado Español.- La Casa de Canarias de Madrid acoge una exposición fotográfica de la artista grancanaria especializada en la fotografía pintada con acuarela, Magdalena Medina con el respaldo de 'Canarias Crea', el programa de fomento de la cultura regional en el exterior, según indicó la consejería de Educación del Gobierno de Canarias en un comunicado.

La muestra denominada 'Desvelada', que permanecerá abierta hasta el próximo 18 de julio y que será su primera exposición fuera de las islas, reúne una veintena de fotografías digitales pintadas con acuarela para las que Medina "ha elegido el velo como eje temático, mostrando su uso desde diferentes puntos de vista".

Magdalena Medina Benítez, nacida en el municipio Telde en el año 1954, estudió fotografía y educación infantil, y a día de hoy ha participado como fotógrafa de la editorial Puentepalo, ha ejercido de productora y directora fotográfica del documental 'El Confital. Ningún pájaro vuela donde el aire no existe'.

En 1983, Medina, realizó un curso de fotografía con Diego Comesañas, a continuación creó su propio laboratorio de revelado y se especializó en la fotografía pintada con acuarela. En 2007, comenzó a exponer, lo hizo en la Sala Dahe en dos ocasiones, en la Fundación Mapfre de Arucas, y en el Club de Prensa de Las Palmas de Gran Canaria.

La fotógrafa teldense continúa trabajando en proyectos que aúnan la imagen y la acuarela, como 'La dignidad del tiempo' y 'Piedras', ambos aún inéditos. El primero es una serie que explora el mundo rural isleño con fotos en blanco y negro acompañadas por relatos de la propia autora. Por su parte, el segundo es una investigación sobre las formas cambiantes de las rocas en distintos espacios y países.

Fuente: europa press

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